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Descubre historias del pasado en Principia Magazine

En el número veraniego de Principia hemos tirado de máquina del tiempo y nos hemos trasladado al comienzo de todo, hemos dado un paseo por el Cretácico de Cuenca, hemos señalado embobados unas cuantas veces al cielo, hemos embarcado en una expedición con grandes naturalistas y nos hemos liado un poco con el hilo de Aracne.

Gracias a un transbordador espaciotemporal hemos podido conocer al desdichado de Laureano Pichamuerta, a la bioquímica Gertudre Elion y con los ojos llenos de lágrimas nos hemos topado con un joven Edgar Allan Poe.

En este número de Principia magazine hemos intentando contar el pasado de la ciencia y tecnología de una forma emocionante. ¡Buena lectura!

revista principia magazineEquipo editorial

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Publicado nuevo número de Principia Magazine

principia magazine 2017Desde hace unos días ya se puede disfrutar de la lectura del último número de la revista de divulgación científica Principia Magazine.

En él hemos reunido un acopio de textos y artículos muy curiosos, de actualidad e interés general, cuidadosamente redactados e ilustrados. Además, hemos preparado para nuestros lectores, no solo artículos y relatos, sino también infografías y post gráficos.

En esta ocasión, además de encargarme de la coedición de la revista junto a Rafa Medina y el director y editor Enrique Royuela, he escrito un relato sobre la importancia de la comunicación y divulgación de la ciencia, titulado La conexión del lenguaje.

Equipo editorial

principia magazine 2016

Ya está disponible el nuevo número de la revista Principia Kids

Processed with VSCOHace unos días se ha publicado el nuevo número de la revista de cultura científica para niños de 0 a 99 años, Principia Kids. La publicación, de 72 páginas de textos e ilustraciones inéditas, está dirigida y editada por Enrique Royuela, la directora de arte es Cristina Escandón, la dirección técnica recae en Javier Díaz-Romeral y está coeditada por Rafa Medina y yo misma, Silvia Mielgo Gallego.

Como en anteriores números llega repleta de asombrosas historias para que los niños se diviertan y acerquen a disciplinas científicas como las matemáticas, la geología, la astronomía o la neurociencia. Estos son todos los artículos y secciones del último número de la revista de ciencia e ilustrailusión.

-La fiesta de los números. Escrito por Cristina Escandón e ilustrado por Ángela Alcalá.

-El bosque mágico, una ensalada muy saludable. Escrito por Néstor Vicente Salar e ilustrado por Mermelada de Sesos.principia kids noviembre 2016

-Detectives del pasado. Escrito por Rocío Moreno e ilustrado por Marta Sevilla.

-No todos los superhéroes llevan capa. Jane Goodall. Escrito e ilustrado por Cristina Escandón.

-¡Encuentra las siete diferencias! Flora y fauna en el parque nacional de Ordesa y Monte Perdido. Ilustrado por David Figueiras.

-El Morfeus. Escrito por Pablo Barrecheguren e ilustrado por Jhonny Núñez.

-El ladrón de atardeceres. Escrito por Julián Royuela e ilustrado por Elisa Basagoiti.

-Regalo de cumpleaños. Escrito por María Docavo e ilustrado por Marina Mandarina Studio.

-Sistema Solar. Escrito principia kids 2016por Enrique Royuela, ilustrado por Mikel Murillo y la colaboración de Nahúm Méndez.

-La leyenda de Oobik de los monos. Por Carlos Romá y Gerardo Sanz.

-El gato cuántico. Escrito por Enrique Royuela e ilustrado por Choke.

-De batas y botas. Crea tu estalactita. Escrito por Enrique Royuela, ilustrado por Cristina Spano y con la colaboración de Marta Pérez.Folgado.

-Pequeñeces. Montar en bici. Escrito por Enrique Royuela e ilustrado por Bárbara de la Garza.

-Break it down into parts. Por Alberto Pieruz.

Equipo editorial

San Valentín científico

valentine-darwin-ciencia-san-valentinJuglares, poetas, cantantes o literatos han plasmado, a través de los siglos, lo que para ellos significaba quedarse prendado, perder la cordura por alguien o no ser correspondido. Hoy en día, los científicos estudian los mecanismos neurológicos o la influencia de la química para comprender un poco más sobre lo que es realmente el amor.

El fotógrafo David Friedman publicó unas divertidísimas postales de San Valentín en su blovalentin marie curie amor cienciag Ironic Sans. En ellas los protagonistas son grandes figuras de la ciencia como Charles Darwin, Marie Curie, Isaac Newton, Carl Sagan y Albert Einstein.

En los geniales sanvalentines del ilustrador Ben Kling están retratados personajes históricos, como Mandela o Sócrates, y también la primera mujer en ganar el Nobel y el naturalista inglés.

La ciencia, como el amor, debería celebrarse todos los días.

Publicación del libro “Humo”, de Fernando Del Hambre

HUMO_visualEste mes de abril, se lanza el libro “Humo” (La Decadente), un híbrido entre ilustraciones, relatos cortos y viñetas. La obra es una mixtura de la subcultura gráfica y visual de los magazines, los cómics, los fanzines y el libro ilustrado.

El encargado de la parte gráfica es el ilustrador Fernando Del Hambre, “dibujero” de toda la vida y director de arte desde hace más de trece años. Durante todo 2013, el madrileño dibujó una serie de ilustraciones y cómics que necesitaban de forma imperiosa una voz en off que las narrara.

Han sido dieciséis los autores de diferentes medios y editoriales (El País, Rolling Stone, Cinemanía, Yorokobu, GQ , Aristas Martínez o Mulafest), los que han puesto las palabras, los que han creado las historias breves e independientes que forman parte de un imaginario colectivo. Los diferentes relatos repiten una serie de conflictos y lugares comunes, como los trastornos de la personalidad, el sexo, las drogas o las obsesiones y que pretenden reflejar el estado de ánimo del contexto actual.

El resultado es una recopilación de ilustraciones historiadas con un único elemento en común: el humo.

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Entrevista al ilustrador Puño

puño ilustraciónA David Peña, conocido como Puño, no le gustan las definiciones, ni siquiera el término de ilustrador, por eso se califica como amigo y esteta.

Este referente español ha ilustrado con su característico estilo más de 10 álbumes propios, anuncios publicitarios o multitud de publicaciones. Entre ellas, ha trabajado en cómics, libros infantiles, revistas o diarios como Público o El Mundo.

Una parte importante de su carrera profesional la dedica a la formación en ilustración y en creatividad, de la que piensa que es un músculo que todos podemos desarrollar.

Una de tus múltiples facetas es la de ser formador, ¿cómo empezaste dando charlas de ilustración o cursos intensivos de cómic?
Comencé a dar clases y charlas como casi todo lo que hago: por necesidad económica. Recuerdo el primer verano que trabajé como profesor, también hacía de peón de albañil y me pasaba las tardes y las noches vendiendo helados en la puerta de una comisaría. El agravio comparativo hizo que me decantara por lo didáctico.

¿En ellas siempre diste consejos motivadores para ejercitar el músculo de la creatividad?
Los consejos vinieron más tarde. Tras unos años dando clase me di cuenta de que la gran mayoría de las personas tiene una grave falta de autoestima creativa. Es muy difícil enseñar nada cuando el alumno piensa que es incapaz de aprender, o que pesa sobre él una maldición, o que padece un defecto genético que le impide hacer cosas bonitas. Primero, hay que romper esa ilusión de impotencia y luego uno puede aprender cualquier cosa. Esto no significa que todos seamos capaces de operar a corazón abierto o de manejar un helicóptero, pero sí que podemos explorar cualquier disciplina artística.

codigo-ciencia-cazadores_webNos gustaría que nos hablaras sobre cómo recuerdas el primer taller o charla que impartiste.
El primer taller fue en Rivas Vaciamadrid en agosto de 1997, aquel verano de escombros y helados. Era un taller de cómics para personas entre ocho y catorce años, en una academia. Fue una experiencia muy buena y supe inmediatamente que me quería dedicar a enseñar. Ese mismo otoño impartí un taller anual que duró varios cursos, dos años después daba clases también en colegios y en centros empresariales.

¿Qué has aprendido durante todos estos años de tus alumnos y el público de tus conferencias?
El que más aprende en mis cursos soy yo. Es una responsabilidad enorme, uno tiene que estructurar y hacer comprensible un montón de información. En el caso de la creatividad y la ilustración no hay mucho escrito, y lo que hay está obsoleto en gran parte. Esto hace que seas consciente de cosas que sabes subconscientemente. Prácticamente se basa en textualizar tu propia experiencia. Un amigo me dijo que para crecer a partir de cierta edad o de ciertos años de experiencia, uno tiene que sostener su carrera en tres pilares: la práctica profesional, la teoría y la didáctica. O sea que hay que currar, que leer y que enseñar. No puedo estar más de acuerdo.

Estamos acostumbrados a que los ilustradores y diseñadores den charlas en las que de forma mayoritaria presentan las virtudes de sus obras y explican su modo de trabajo.  ¿Nos puedes recomendar algún otro profesional de la ilustración o diseño que ofrezcan ponencias inspiradoras, motivacionales?
Confieso que no asisto a muchas charlas. Pero por ejemplo, he disfrutado charlas de Isidro Ferrer y Pablo Amargo. Bien cierto es que abundan esas charlas en las que el ponente muestra sus trabajos, cuenta batallitas laborales y si tienes suerte, explica algo de su método de trabajo. Por eso no acostumbro a frecuentarlas como público. Me interesan las conferencias en las que el expositor desnuda completamente sus métodos o técnicas o en las que analiza la obra de otros desde un punto de vista único e interesante. Lo demás es masturbación ante la concurrencia.

Eres bastante crítico con el mercado del arte y las escuelas, incluso has comentado que han hecho mucho daño a la profesión de ilustrador al hacernos creer que un artista y un ilustrador son lo mismo.  ¿Cuál es la diferencia?
La diferencia para mí está clara: yo soy un trabajador, no un artista. Es como si comparas a Helmut Newton o a Richard Avedon con el señor que fotografía los mejillones para el catálogo del Eroski. Pues yo soy ese, el de los mejillones. Mi obra poco tiene de mostrar mi universo interior o de despertar reacciones y emociones en el que la contemple. Lo que yo hago tiene que ver con líneas editoriales, modas comerciales, valores de producto y demás.

¿Qué otros males o bondades le achacas a las escuelas de arte respecto a la ilustración?
Bueno, las escuelas han hecho mucho daño en general, no sólo por mezclar churras con merinas. En los últimos veinte años ha habido un cambio gigantesco en los oficios artísticos: se han convertido en oficios industriales. Y de esto las escuelas de arte no se han visual-vazquez_webdado cuenta. Hace poco me escribía una alumna de una escuela de arte con unas preguntas para un trabajo de su clase de Adobe Macromedia Flash o como se llame ahora. Me parece alucinante que en una escuela de arte de este país se imparta una asignatura sobre un software que hace años que se sabe que está obsoleto. Al final consiguen que los ilustradores sean como los actores, que por cada quinientos que dicen serlo sólo cinco viven de ello.

¿Cuáles son tus referentes? ¿Puedes contarnos qué ilustradores, corrientes o películas influencian tus trabajos?
Mis referentes son una cascada, se están renovando constantemente. A veces retornan. Pero en general me gustan los dibujos animados, los libros ilustrados, el cine de los 70, los ilustradores con blog, la literatura española de hace 100 años, lo colorido, lo sencillo o lo pop. A cualquier cosa le saco provecho. Eso de tener un gusto definido está muy bien cuando eres amateur, pero si te quieres ganar la vida de ello tienes que meter el hocico en todas partes, aunque sea para conocer lo que se hace o lo que se hizo.

¿Cómo defines tu estilo?
No tengo ni idea. No reflexiono sobre ello ni me gustan las definiciones, son fronteras invisibles. Tampoco estoy seguro de tener un estilo. Imagino que esta es una tarea que le tocará al que haga una enciclopedia o al que escriba mi esquela.

Estuviste viviendo durante un tiempo en la ciudad de la luz, ¿qué es lo que te aportó tu etapa en Francia?
En París pasé un año y no me hubiera gustado estar más. Es una ciudad muy dura si eres pobre y español. Pero aprendí y trabajé mucho, sobre todo para España. Siempre cuento que los clientes me veían diferente porque había pasado de ser el ilustrador de ciudad dormitorio del extrarradio madrileño a ser el ilustrador que vive en París, pero al pasar los años encuentro injusta esta afirmación: llegué a Francia siendo un bruto, un punk, un escéptico. Y allí aprendí a pasar por el aro, a relacionarme con gente de todo tipo y a dejar de vestir como si viniera de un futuro distópico post-apocalíptico, cosas muy útiles para crecer en esta vida y desarrollar una carrera profesional.

camiseta-calaveritos_web¿Podrías destacarnos uno de tus trabajo de ese periodo?
De ese año recuerdo especialmente el álbum ¡Ñam! Lo hice durante un invierno muy duro, con un taburete y un portátil diminuto, pasando mucho frío como si fuera un poeta con tuberculosis. Por él me dieron un premio muy importante que cambió mi trayectoria y me permitió aburguesarme, que es también esencial para cualquier carrera artística, pues no es lo mismo crear algo bonito cuando llevas diez horas reponiendo cartones de leche en el Carrefour.

¿Cuáles son las diferencias de trabajar de ilustrador aquí y en el país vecino?
La principal diferencia entre ser ilustrador en España y en Francia es que allí se valora, se impulsa, se divulga y sobre todo, se paga bien. Aquí la ilustración le interesa a cuatro gatos con un corazón y un entusiasmo imponentes que mantienen a flote el oficio con cuatro duros y mucho esfuerzo.

¿Cuál es tu relación con la tecnología a la hora de crear tus trabajos? ¿Cómo te has adaptado al medio online?
Nunca tuve que adaptarme porque nací en el medio online, soy indígena. Empecé a trabajar sin ordenadores ni Internet, pero hasta que no aparecieron en mi vida no me pude dedicar a ello. Son herramientas importantísimas, antes hacía falta dinero y conocimientos para crear un portafolio en carpetón y arrastrarlo por agencias, estudios y editoriales, con una camisa planchada, peinado y nervioso. De repente, Internet brindó una oportunidad gratuita de mostrar tus trabajos, de contactar con empresas y profesionales, de aprender de otros. Y todo esto sin quitarte el pijama.

Estamos muy interesados en conocer cómo se desarrolla el proceso creativo y de ejecución de tus trabajos.
Me gusta dedicar la mayor parte del tiempo a pensar en el proyecto, a rumiarlo hasta la extenuación. Durante esta etapa miro cosas que han hecho otros sobre el tema para saber dónde se va a situar lo que haga yo, para no repetir ideas, para encontrar el tono apropiado. Luego miro cosas de otros sobre otros temas y otras disciplinas para encontrarme en el humor adecuado para ponerme a trabajar. También paseo mucho, voy a bibliotecas y a parques a trabajar, para oxigenar el cerebro y recibir estímulos diferentes a los de la rutina de mi estudio, donde sólo me encierro para ejecutar. Cuando trabajo escucho jazz o música clásica o ambiental por la misma razón, para colocarme en un humor determinado que me permita trabajar con fluidez. Antes me intentaba imponer horarios y obligarme a trabajar cuando no me apetecía, pero era contraproducente. Soy más productivo ahora.

¿Puedes recomendar a nuestros lectores webs, blogs o cuentas de redes sociales que formen parte de tu lista de favoritos?
Sigo infinidad de tumblrs y blogs de ilustradores veinteañeros europeos o americanos. Hay gente buenísima ahora mismo. Seguía con pasión Drawn.ca, pero lo han cerrado. La mayor parte de mi tiempo online lo paso mirando otras cosas en absoluto relacionadas con la ilustración. Mis webs favoritas son Youtube e Imgur.com. Y Fort Scrotum, que es el retrato más despiadado de la humanidad que jamás ha hecho nadie.

¿En qué proyectos estás embarcado en la actualidad?
Como siempre, en un montón: estoy terminando mi primera novela infantil, coordinando un curso y varias asignaturas en el Istituo Europeo di Design, soy comc455a348ff24aad8d25980b5f2946192isario de un ciclo de exposiciones en el Palacio de Cibeles, tengo pendiente de publicar un libro infantil ilustrado, preparando una colección de libros educativos y el puñadito habitual de proyectos personales: un fanzine que se bebe, un tebeo largo y otras cosas.


“190º The Magazine” sirve como plataforma para dar a conocer el trabajo de artistas emergentes, emprendedores o artesanos noveles, ¿qué opinión te merecen revistas como la nuestra?

Absolutamente esencial en estos tiempos en los que las empresas privadas y las institucionales dan la espalda a los oficios artísticos y creativos.

Entrevista al artista Salustiano

salustiano artistaSalustiano es un reconocido artista plástico sevillano con una gran proyección internacional. Sus obras se separan con una fina línea de la fotografía y están inundadas del histórico estilo del Renacimiento con exquisitos tintes de arte oriental. En sus cuadros, que no necesitan tener una temática concreta, resaltan sobre los fondos monocromos figuras humanas logradas con una técnica fina y exacta que aporta al conjunto un halo de eternidad. La obra de Salustiano, como su alias profesional es rotunda, austera, no necesita de adornos superfluos para influir y suscitar fuertes emociones en el espectador.

¿En qué momento te diste cuenta por primera vez de que eras un artista?
No lo sé, lo que sí recuerdo es el día que decidí hacerme pintor; tenía  cinco  años -era Navidad- dibujé una escena de los reyes magos. Se lo enseñé a mi madre y ella me besó llena de admiración y cariño. Se lo mostró a mi padre, mis tíos, mis vecinos… La respuesta fue tan estupenda que pensé que ser pintor era una maravillosa manera de conseguir un plus de cariño.

salustiano_artista_entrevista_silvia_mielgo2¿Cómo comenzaste en el mundo del arte?
Supongo que aquel día de Navidad. Lo demás fue surgiendo paulatinamente, sin apretar…

¿Por qué siempre firmas sin apellidos?
Salustiano es rotundo, suena austero, sin adornos. Pienso que es suficiente.

¿Qué te ocurrió en el viaje a Italia que hiciste en 1992? ¿Es ahí donde comienza en tu arte la influencia de la pintura del Renacimiento?
En aquellos años el arte que se hacía era muy fast-art. De factura rápida y rápida digestión. No alimentaba mucho. Recuerdo que la mayoría de los artistas de aquella época decían que pintaban para divertirse. En aquel viaje me di cuenta de que lo realmente trascendente no es el resultado del divertimento o la ocurrencia. Honestamente pienso que sin trabajo no se consigue nada grande. Una idea brillante, si no se desarrolla y pule hasta que quede perfecta, no podrá convertirse en una obra de arte. Me estoy refiriendo, por ejemplo, a la catedral de Colonia, la sonata para cello y piano n°1, de Brahms o La Virgen del Canciller Rolin, de Jan Van Eyck.

¿Quién o qué te inspira para crear tus obras?
El verano pasado estuve en Japón. Alquilamos un coche y fuimos a la provincia de Nara. Nos adentramos en la naturaleza por una de las carreteras más hermosas que quepa imaginarse. A ambos lados la jungla de bambú era impenetrable, tan tupida que  apenas  se podía introducir la  mano entre las cañas. Llegamos a una pequeña bahía. La playa era de piedras, las olas eran pequeñas y ronroneaban a mis pies como un bebé de tigre. No había nadie. Casi a tiro de piedra había un pequeño archipiélago de abigarrada vegetación, perfilado nítidamente por un cielo de un tono de azul indescriptible. La belleza del paisaje era sobrecogedora. Me influye todo.  El arte que veo y la vida que vivo.

salustiano_artista_entrevista_silvia_mielgoTengo entendido que tus cuadros carecen de un tema concreto, ¿por qué? ¿Qué deseas transmitir?
Es cierto, nunca me he interesado por “el tema” y, por lo tanto, no hay  discurso narrativo detrás de mi obra. Mis cuadros son imágenes autónomas de cualquier tema o mensaje, no pretenden contar “algo”, sino provocar una serie de sensaciones en el espectador.

¿Cómo definirías tu pintura?
No lo sé. Cuando expongo fuera de España y la gente me pregunta por mi obra, les digo que mi inglés es muy malo, tanto que me siento incapacitado para hablar acerca de ella, que se acerquen con calma al cuadro, que lo escuchen atentamente, porque él tiene que tener la capacidad de explicarse por sí solo. Confío y rezo para que mis cuadros sean políglotas.

¿Por qué el uso casi exclusivo de los colores rojo, negro y blanco? ¿Y del fondo monocromo?
No sabría contártelo brevemente pero, seguramente, es porque lo absoluto me atrae.

¿Cuáles son los pasos de creación de tus obras?
Pienso en algo que quiero transmitir. Busco la manera de hacerlo. Le quito lo accesorio. Intento contarlo con los mínimos elementos posibles, prácticamente es como si lo podara de todas las ramas innecesarias, y finalmente, intento materializarlo aplicadamente, con suavidad, con respeto, con cariño.

¿Cómo escoges a los modelos? ¿Qué características tienen que poseer? ¿Es una coincidencia que muchos de ellos tengan que ver con el mundo de la música?
Los descubro en la calle y les propongo posar para mí. Son personas no necesariamente bellas, pero que presiento que pueden ayudarme a transmitir una determinada emoción. Para mí, un modelo es como un  actor. Un vehículo que uso para transmitir una determinada  emoción al espectador. Establezco con la gente que ve mis cuadros la misma relación que un director de cine tiene con el espectador. El modelo-actor es el canal de transmisión de la emoción.
Luego he descubierto que, en todos los casos, estas personas eran gente muy especial y curiosamente, muchos de ellos estaban relacionados con la música. Supongo que no es una coincidencia.

salustiano_artista_entrevista_silvia_mielgo3Has expuesto en multitud de ciudades como Nueva York, Miami, Berlín o Seúl, ¿cuál es la exposición que te ha producido más emoción o satisfacción?
La exposición que más satisfacciones me ha dado es, sin duda, la exposición itinerante The Missing Peace, en la que 88 artistas –entre ellos Anish Kapoor, Bill Viola y Marina Abramovich- han valorado la figura del Dalai Lama en apoyo al pueblo tibetano y que desde 2006 está dando la vuelta al mundo. Ha sido un gran honor y me ha permitido conocer esta cultura en profundidad. Mi obra Reencarnación fue elegida como imagen de la muestra. El propio Dalai Lama estaba encantado con mi propuesta, tan arriesgada: la reencarnación del próximo Dalai Lama en una niña china. Es un hombre muy simpático y estoy feliz de que tenga una obra mía. También me dio la oportunidad de conocer a personas muy interesantes como Robert Thurman o Sharon Stone.

¿Puedes destacar algún pintor consagrado o no, a los que admires o de los que bebas de su arte?
Por ejemplo, Hockney, Holbein, Cezanne y Matisse.

¿Puedes adelantarnos alguno de los proyectos en los que estás trabajando en la actualidad?
Este mes participaré en la feria de arte de Southampton, New York, con la galería Kavachnina. Al mismo tiempo una obra mía se va a subastar en Christie´s  New York. En septiembre, tengo una exhibición individual en Colonia en la galería 100 Kubik. Luego en Estambul con la galería berlinesa Brockstedt. En diciembre, participaré, como es habitual, en Art Miami, para acabar el año con exposiciones en la galería Kavachnina, también de Miami, e Imago Gallery, en Palm Desert, California.