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Principia Magazine en Ciencia Volando

principia_ciencia_volando_silvia_mielgo_gallego_marta_perez_folgadoEn el proyecto cultural de Principia participamos tres zamoranas: Marta Pérez Folgado, Ana Rosa González y yo misma. Por ese motivo, Esther Martín y Ángela Monasor nos quisieron entrevistar para su programa sobre ciencia y tecnología Ciencia Volando, que se emite en Ser Benavente. Y que queréis que os diga ¡hace mucha ilusión que se interesen en tu tierra natal por las iniciativas en las que participas!

En el programa hemos hablado escuetamente sobre qué es Principia, sus comienzos o sobre divulgación y comunicación de la ciencia.

En el Ivoox de Ciencia Volando podéis escuchar el episodio íntegro dedicado a Principia y todos los anteriores podcast publicados. ¡Un muy recomendable programa de radio!

Fotografía Marta Pérez Folgado

Entrevista al colectivo Boamistura

colectivo boamisturaBoamistura es una palabra portuguesa que significa “buena mezcla” y que designa al colectivo de artistas urbanos, integrado por cinco profesionales de diferentes ámbitos, que en la actualidad suena como nombre esencial del street art y del graffiti español.

El colectivo madrileño ha llevado a cabo intervenciones artísticas, además de en múltiples ciudades de España, en Sudáfrica, Panamá, Noruega, Alemania, Brasil o México. Además, ha participado en exposiciones en instalaciones museísticas como el Museo Reina Sofía, la Casa Encendida o el Museo DA2. Boamistura ha colaborado en proyectos sociales junto a Fundación ONCE, Intermon Oxfam o Cruz Roja e impartido conferencias en universidades como las de Madrid, Alcalá de Henares, Sevilla o Cuenca.

¿Cómo surgió el colectivo Boamistura? ¿Por qué decidisteis en 2001 empezar a tener una identidad como grupo?
Nacimos de forma absolutamente espontánea e inesperada. Nos conocimos pintando graffiti en nuestro barrio cuando teníamos entre 15 y 16 años. En el 2001, nos juntamos los cinco y empezó nuestra amistad. Nos pusimos el nombre, algo que nos gustaba y con lo que identificarnos, pero sin mayor pretensión. Lo que era un hobby y una pasión de fin de semana cada vez fue robándole tiempo a nuestra semana hasta 2009 que ya nos dedicamos en cuerpo y alma 24 horas al día 7 días a la semana. En los primeros años, ni nos planteábamos poder algún día vivir de esto y simplemente disfrutábamos pintando. Una vez acabamos la universidad tomamos la decisión de apostarlo todo por lo que sentíamos.

¿Por qué os hacíais llamar graffity rockers?
Era una coña nuestra de hace unos años. Nos denominábamos así porque en nuestro barrio (Alameda de Osuna), además de una larga tradición en el graffiti, también la hay en la música, concretamente en el rock. Son nuestros amigos del barrio y por eso, de algún modo, nos decíamos graffiti rockers.

Boamistura sois un colectivo artístico multidisciplinar, ¿qué ventajas os aporta el trabajo como grupo configurado por personas que beben de diferentes disciplinas? ¿Os soléis encargar cada uno de un aspecto concreto? ¿De qué se ocupa cada uno en el proceso creativo y BoaMistura_3de ejecución?
La principal ventaja es tener puntos de vista desde distintos ámbitos pero algo común que nos une. Antes de formarnos, ya pintábamos juntos. Nos entendemos muy bien los unos a los otros, y aunque no tenemos tan diferenciadas las funciones, sí que cada uno sabe dónde puede ayudar más al proyecto. Todo parte de un debate o de una discusión en algunos casos, pero siempre desde un punto de vista positivo. Al final los cinco queremos lo mejor para Boamistura. Una vez entiendes esto, es mucho más fácil aceptar distintas opiniones. Y lo que suele suceder es que la idea parte de uno, y otro la crece, y otro la dirige a otro lado y al final estamos en un sitio en el que nunca hubiéramos llegado solos. Eso es lo más interesante.

¿Cuál es la esencia, los “ideales” que compartís como grupo?
Amamos lo que hacemos. Eso es lo principal. Somos felices peleando cada día por seguir haciendo lo que más nos gusta. Y como grupo, a la hora de intervenir, nuestra primera pregunta siempre es: ¿mejoraría el espacio con nuestro trabajo? Si la respuesta es no, no intervenimos y si creemos que lo podemos mejorar entonces sí.

¿Cuáles son las técnicas, influencias, artistas o corrientes estéticas que os inspiran?  ¿Han cambiado desde 2001?
Han cambiado muchísimo. Alguna se mantiene pero obviamente vas descubriendo nuevos caminos que te seducen. Hoy en día arquitectura, diseño gráfico, fotografía, pintura, música, ilustración… son muchísimas las referencias que nos gustan y nos emocionan.

¿Qué materiales son los que necesitáis habitualmente en vuestras intervenciones? ¿Hay alguno con el que os gustaría experimentar?
Normalmente no faltan pinceles, brochas, rodillos, extensores, cubetas, cubos de pintura, sprays, cinta métrica, tiza, cordel, libretas, ordenadores y cámaras de fotos. Después, cada proyecto tiene alguna peculiaridad. En realidad nos gustaría experimentar con todos los materiales que no conocemos.

Nos podéis explicar cuál es vuestra relación con la iconografía del tatuaje, la anamorfosis y el placemaking.
Son transversales a nuestro trabajo. Primero, el hacer proyectos site specific porque hemos comprendido que el lugar aporta sentido a la obra y al revés. Y por tratarse de soportes que no se pueden mover, de muros, de edificios o de pavimentos que están fijos a un lugar concreto, nos parece fundamental responder a ellos y su enclave. La iconografía del tatuaje nos apasiona y nos ha abierto muchos caminos a nuestra ilustración. Y la anamorfosis nos ha servido para responder a una serie de lugares muy complejos. Son procesos abiertos y estamos trabajando en distintas líneas.

En vuestras obras os servís de potentes y sencillos mensajes positivos, ¿cómo son de importantes en las intervenciones?
Nosotros trabajamos de la forma que sentimos. Nuestra experiencia en Sudáfrica en 2001 nos voló la cabeza. Allí hablaban de inspiración y del legado de Mandela. De lo importante que eran las personas para generar cambios y nos hizo replantearnos lo que estábamos haciendo. Por eso, y desde entonces, trabajamos con la fuerza de las palabras y con su valor inspirador. Entendemos que no es lo mismo leer a diario “crisis”, “corrupción” y “desempleo”, que “alegría” o “dulzura”. No es que trabajando con estas palabras las otras dejen de existir, pero el poso que va permaneciendo es distinto. La crisis sigue estando pero quizás la forma de enfrentarnos a ella cambie.

BoaMistura_2¿Os acordáis de la primera vez que impartisteis una conferencia? ¿Dónde fue? ¿Os gusta la faceta de docencia?
La primera conferencia que dimos fue en la facultad de Bellas Artes de la Complutense de Madrid. Nos invitaron del área de pintura mural. El resultado no sabemos cómo fue pero el caso es que a nosotros nos gustó. Todo lo que tenga que ver con el ámbito docente nos interesa y nos parece que es una forma de mantenerse al día y de continuar aprendiendo. Pero no nos obsesiona y lo cierto es que ninguno hemos hecho un doctorado. Ahora en enero, tendremos nuestra primera experiencia docente en la Universidad Isthmus de Panamá, dirigiendo un taller de dos semanas con unos 60 alumnos. Estamos deseando que empiece.

Podríais contarnos cómo fue la experiencia de transmitir lo que hacéis en directo en el formato del TEDXMadrid.  
Conocíamos TED y cuando contactaron con nosotros nos quedamos con la boca abierta y no sabíamos bien que íbamos a contar. La verdad es que la experiencia fue muy buena y enriquecedora. TED, por encima de todo, es garantía de calidad y tiene una masa muy importante de gente que sigue sus conferencias. De repente, poder compartir con ellos nuestro trabajo fue un paso muy importante.

¿Cómo pensáis que tienen que cambiar las normas que castigan a los artistas urbanos y los grafiteros? ¿Creéis necesaria una recuperación por parte del ciudadano del espacio público?
El espacio público es nuestro espacio común. En el que nos relacionamos y del que nos tenemos que apropiar, con respeto y sensibilidad, pero de forma rotunda. No hay mejor lugar de comunicación que la calle. Quienes trabajamos en ella somos conscientes de que lo hacemos de forma ilegal. Somos muchos y con distintas motivaciones. El tema por tanto es muy complejo. Muchos o la mayoría de los artistas urbanos, aunque nos hayamos distanciado del graffiti más tradicional y nuestra voluntad sea distinta a la de los graffiteros, venimos de allí. Compartimos la misma raíz. Si a esto le añadimos que una parte importante de la sociedad y de las autoridades o instituciones no están preparadas (al menos en España) para distinguir entre los polos más vandálicos y los más artísticos, hace que todos seamos medidos por el mismo rasero. En cualquier caso, y hablando por nosotros, la ilegalidad o legalidad de un soporte es una característica propia de ese soporte y si entendemos que con nuestro trabajo podemos mejorar lo existente vamos a hacerlo. En nuestra voluntad está el construir y hacer ciudad para y por los ciudadanos. Si es por hacer lo que sentimos de forma positiva preferimos pedir perdón que pedir permiso.

Alguna vez habéis manifestado que Madrid es una de las ciudades más complicadas para plasmar vuestras obras por culpa de la burocracia ¿En qué otras ciudades os habéis encontrado con dificultades similares? ¿Y cuáles de España son más receptivas y presentan menos problemas para el arte urbano?
En ninguna otra. Cuando salimos fuera, todos estos procesos son más sencillos y además no nos solemos encontrar con ellos. Madrid es una ciudad muy hostil para este tipo de manifestaciones. Ciudades como Zaragoza (gracias al festival Asalto) o ahora Málaga con las iniciativas del CAC parece que se están abriendo más. En cualquier caso, podríamos atrevernos a decir que en España aún no somos conscientes del valor que puede aportarle a las ciudades intervenciones interesantes de arte urbano.

¿Qué implica para vosotros el intercambio de trabajos y experiencias con otros artistas en festivales como el de Zaragoza?
Experiencias personales muy intensas y aprendizaje. Venimos de un mundillo muy hermético, donde aprendes de forma autodidacta y donde somos los propios artistas los que le damos forma a cada momento. Este tipo de encuentros son buenos para compartir experiencias y conocer gente que siente la misma pasión que tú. En concreto el Asalto, por la calidad humana de sus organizadores, por el formato del festival y por la selección de gente que traen es nuestro favorito. Iríamos todos los años pero entendemos que no sería bueno para el festival.

¿Qué diferencias se observan entre vuestros proyectos e intervenciones del comienzo y los que creáis en la actualidad?
Muchas. Hemos cambiado la forma de preparar y concebir los proyectos. Supongo que es lo lógico en una evolución o en una carrera de fondo como es ésta. Antes no nos preocupaba ni el soporte, ni el lugar, ni el hacer algo adaptado a él, ni la participación, ni muchas cosas que nos preocupan ahora. Antes nos preocupaba lo estético, cosa que ahora no. Supongo que dentro de unos años habrá cosas que nos sigan interesando y tendremos otras preguntas que ir resolviendo. Sería muy aburrido si no fuese así.

Habéis llevado a cabo impresionantes piezas cargadas conceptualmente y que han conseguido cambiar la forma que tiene la gente de relacionarse con el espacio, ¿cuál destacaríais si sólo pudierais quedaros con una?
Es como decirle a una madre con que hijo se quedaría. Cada una es especial porque encierra una experiencia única. Seguramente nos quedamos con las de la serie de CROSSROADS porque ahora mismo es la que más nos llena a nivel humano, pero lo cierto es que cada proyecto en el que nos involucramos lo vivimos con la misma pasión.

Una de vuestras últimas intervenciones ha tenido lugar en México, en “La Colonia de Las Américas”. ¿En qué consistió exactamente? ¿Cómo se implicaron los mexicanos con el proyecto?
La intervención ha consistido en la transformación estética de 30 casas de la colonia. Podríamos decir que es casi de paisaje porque al estar en un cerro se ve desde las dos principales autopistas de la ciudad. Lo que más nos interesaba era buscar, con la gente de la comunidad, la identidad del lugar. Por eso nos hemos inspirado principalmente de la cultura otomí, que eran los indígenas que habitaban esa zona. La respuesta de los mexicanos ha sido impresionante. No solo en la comunidad, que nos han abierto sus casas de par en par y además vivíamos allí, sino de toda la ciudad de Querétaro, donde diariamente se acercaban del orden de 20 voluntarios para ayudar a hacer la obra. Hemos vuelto enamorados y estamos trabajando para volver cuanto antes.

BoaMistura_4¿Podéis recomendar a nuestros lectores webs, blogs o cuentas de redes sociales que formen parte de vuestra lista de favoritos?
¡Tenemos muchísimas en nuestra lista de favoritos! Nuestras redes sociales están ahí y quien quiera curiosear las puede ver. Desde los contenidos de Yorokobu o Metalocus (por decir algo nacional) a los blogs ffffound o friends of type, pasando por BSA (Brooklyn Street Art). Nos interesa gente como los arquitectos Ecosistema Urbano, Basurama, Zuloark,  o ilustradores como Ricardo Cavolo, Santiago Morilla, gente que trabaja en la calle como Vota Dier, Noaz, Parsec, Noviciado 9, Blu… o músicos como Kanye West, Black Keys o Daft Punk. La lista sería interminable.

 “190º The Magazine” sirve como plataforma para dar a conocer el trabajo de artistas, estilistas o artesanos noveles, ¿qué opinión os merecen revistas como la nuestra?
Nos parece un soporte necesario para difundir una buena cantidad de las cosas bonitas que se están haciendo en estos ámbitos.

Entrevista al diseñador Ritxi Ostáriz

ritxi ostarizRitxi Ostáriz es un diseñador gráfico especializado en el sector editorial, que ha desarrollado proyectos de diseño y dirección de arte, para clientes del sector de la cultura de todo el mundo. El bilbaíno dirigió su propio estudio durante más de cinco años y actualmente es diseñador en la oficina de Madrid de la prestigiosa marca de consultoría internacional Saffron Brand Consultants. Ha recibido varios galardones como el Premio Laus de Bronce en 2010, ha participado en importantes eventos, como el Selected Europe, dirigió el Máster de Motion Graphics en el IED y es docente del Máster en Comunicación y Diseño Estratégico del centro de formación Trazos.

En alguna ocasión has definido tu estilo como minimalista, tanto en el sentido ornamental como funcional. Y has contado que intentas mezclar dos mundos opuestos: el arte tradicional o mitológico, lo folklórico lo artesanal y el diseño pulcro y sobrio de los países nórdicos. Con los años ¿hay alguna otra influencia o estilo que hayas ido haciendo tuyo?
Lo que siempre he defendido realmente es que son otros los que se han encargado de hablar y poner palabras a mi estilo, aunque sí que es cierto que me siento más atraído por unas tendencias que por otras. A día de hoy, podría decir que más que el diseño nórdico me siento más identificado con otras escuelas tipo la suiza actual, holandesa, francesa, alemana. Muchos de mis mayores referentes vienen de esta zona geográfica. La experimentación gráfica a base de construir y deconstruir sobre retículas y estructuras más clásicas.

Si comparas el estilo de tus trabajos como freelance con los que creas ahora en Saffron, ¿observas diferencias notables? ¿Qué te está aportando el trabajo en equipo en la compañía?
Mi trabajo personal y el realizado como parte del equipo de diseño de Saffron Brand Consultants son totalmente distintos. Y en cierto modo es normal, porque el tipo de clientesRitxi_Ostariz_2 y el tipo de mercado en el que se mueven ambos mundos son también opuestos. En mis proyectos personales destacan más clientes culturales, artísticos, como músicos, pequeños en volumen y sin grandes intermediarios, así que el trabajo es más íntimo y personal. También es un trabajo más fugaz, más rápido de realizar y más estético. En Saffron formo parte de un equipo de diseñadores y consultores, trabajando para grandes compañías globales. Las necesidades de este tipo de clientes hacen que el trabajo, tanto en su resultado como en su proceso, sea radicalmente distinto.

Al principio de tu carrera profesional estabas claramente orientado al diseño digital, la animación y el motion graphics ¿por qué terminaste desencantado y aparcándolos como un entretenimiento?
Supongo que el hecho de aparcar el mundo digital no es algo que haya escogido por decisión propia radical, sino por ir, poco a poco, enamorándome cada vez más del papel. Creo mucho en el diseño para un objeto físico, un disco o un libro, que pueda disfrutar en cualquier momento y en cualquier lugar, independientemente de la tecnología existente. Dentro de X años la experiencia digital será tan distinta a la actual que los trabajos realizados actualmente en este medio serán casi seguro imposibles de reproducir. Es un trabajo efímero, muy centrado en el presente y olvidando pasado y futuro. Sin embargo, un libro en papel es igual ahora a como era hace cien años, y seguramente será idéntico dentro de otros cien años. Es un trabajo atemporal y esa atemporalidad me atrae, desde un punto de vista romántico.

Llegando a fechas cercanas al Día de los Muertos te acordarás de “¡Viva Calaca!”. ¿Hay alguna posibilidad de que te embarques, para alegría de tus seguidores, en la creación de una tercera parte o en algún otro proyecto de animación como el videoclip “No cowboy”?
‘¡Viva Calaca!’ es un proyecto al que por supuesto tengo especial cariño, pues ha atraído a mí a un público que de otra forma no se hubiera acercado. Todos los años, llegada la celebración de Todos los Santos / Día de Muertos / Halloween, recibo multitud de emails con peticiones para reproducir los cortos en festivales o celebraciones, así como escuelas, museos o centros culturales. Este año, hasta me han sido solicitados por el Departamento de Turismo de México para su web, lo cual es un orgullo, aunque creo que finalmente no los han utilizado. A día de hoy, y según mi situación actual como diseñador en Saffron, es difícil que pueda aparecer una tercera parte de ‘¡Viva Calaca!’. Realizar una animación como esa requiere un tiempo aproximado de mes y medio o dos meses, totalmente dedicados a ello, y eso es un tiempo del que obviamente no dispongo. Pero nunca se sabe lo que el futuro puede traer, y si en algún momento dado vuelvo a trabajar por mi cuenta, sí que es algo que me gustaría retomar, tanto por mí, como por todos los seguidores que ‘¡Viva Calaca!’ tiene por todo el mundo.

Tu afición por el arte, la mitología, la historia o la arqueología, ¿cómo influyen en el resultado final de tus trabajos?
Lo cierto es que no diría que influyen directamente en mis proyectos, al menos en el aspecto visual. No trato de hacer trabajos específicamente alquímicos o cabalísticos. Pero estas aficiones sí influyen, definitivamente, en mi forma de pensar y de utilizar el simbolismo para crear. En muchos de mis trabajos hay mensajes ocultos, escondidos, que tienen un significado que sólo algunas personas conocen o pueden interpretar. No hablo de ocultismo o esoterismo, sino de algún tipo de contenido que tenga que ver con el proyecto en sí, o con el propio cliente para el que trabajo.

Formas parte del elenco de profesores del Máster en Comunicación y Diseño Estratégico del centro de formación Trazos, ¿cómo estás viviendo esta oportunidad?
Aún no he tenido que dar clases, ya que mi participación será en un momento más avanzado del curso; pero es para mí un orgullo el que Ana Echegoyen y Pablo Rubio (Erretrés) hayan contado conmigo para participar en él como docente. Ya tuve el placer de trabajar junto a Ana Echegoyen cuando dirigí el Máster de Motion Graphics en el IED, siendo ella coordinadora del mismo, y fue una experiencia realmente fascinante. Estoy muy ilusionado con esta nueva experiencia, pues la docencia o en general el transmitir o compartir conocimientos es algo que me resulta muy gratificante, ya sea en conferencias, talleres o como profesor. Ya he tenido la oportunidad de hacerlo en el IED, y también en la Madrid School of Marketing como parte del equipo de Saffron. Y además de Trazos, este año participaré en clases y talleres de Mr. Marcel School, bajo la dirección de Javier Nieto, a quien también he de agradecer su confianza en mi experiencia.

Sabemos que te sientes medio burgalés por la especial relación que tienes con el pueblo de tu madre, Salas de los Infantes. ¿En qué y cómo te han influido sus gentes, sus paisajes, su gastronomía o su rico patrimonio paleontológico y arqueológico en tus diseños?
En cierto modo la respuesta podría ser la misma que anteriormente. Es difícil trasladar las costumbres o tradiciones burgalesas a un diseño contemporáneo. Pero sí es cierto que Salas, sus gentes, su comida o sus paisajes, todos los ratos que he pasado allí… influyen en mi carácter, en mi humor, y eso acaba del mismo modo viéndose reflejado en el diseño. Digamos que Salas me da la vida y motivación que Madrid, como ciudad meramente de trabajo, me quita día a día. Otro caso aparte, es La Leyenda de los Infantes de Lara, historia que me apasiona de forma especial, y sobre la que algún día tengo intención de editar un libro de coleccionista.

Ritxi_Ostariz_3¿Cómo percibes el diseño actual español?
Bajo mi humilde opinión, y con todo el respeto hacia el resto de profesionales, creo que seguimos estando muy retrasados respecto a Europa. Se nota, como en la gran parte de asuntos del país, un auto-pesimismo que impide dar pasos hacia adelante; nos quejamos pero no hacemos demasiado por solucionarlo. Afortunadamente, y gracias a Internet, las fronteras son cada día más transparentes, y los nuevos diseñadores pueden enriquecerse más fácilmente y dejarse influenciar por escuelas extranjeras, como la centroeuropea o la londinense, que realmente están haciendo las cosas de maravilla. No quiero negar, que en los últimos años están apareciendo jóvenes diseñadores en España con poca experiencia pero con unas ganas y un talento extraordinarios. Y sin olvidarnos de estudios importantes, de pequeño – mediano tamaño, pero con un trabajo impecable, como Erretrés, Design by Atlas (Astrid Stavro + Pablo Martín), Folch Studio…

¿Cuál crees que es la mejor cualidad que debe poseer un diseñador gráfico en el contexto en el que vivimos? ¿Qué les recomendarías a los profesionales que están comenzando?
Una cosa que he defendido siempre, y que, sorprendentemente muchos no llevan a cabo, es abrirse a mercados internacionales. En toda mi carrera he trabajo muy poquito para clientes españoles y creo que esa es una de las razones principales de haber llegado donde he llegado. La riqueza cultural que te aporta trabajar directamente con gentes de Rusia, Islandia o Estados Unidos te hace, no sólo mejor diseñador, sino una persona más completa también. Siempre que doy conferencias o doy clases, hablo de mis tres pilares básicos en los que creo que un creativo tiene que apoyarse para crecer como profesional; pilares que por otra parte, estoy seguro pueden ser aplicados a cualquier profesión:
Mucho trabajo, esfuerzo, sacrificio y pasión por lo que haces. Mucha suerte, para estar en el momento y lugar adecuado. Echarle mucho morro. Dirigirte directamente a ese cliente o estudio para el que quieras trabajar. El probable “no” lo tienes asegurado, el posible “sí” te traerá reconocimiento y felicidad. Más específicamente, a aquellos que estén empezando les diría que busquen una motivación, algo que les apasione y que les haga emplear sus diseños en ello. Puedes ser una aficionada a la moda y crear un fanzine sobre moda. O que te guste el cine y tengas un blog de cine. O los viajes. O tu ciudad, o tus amigos… Lo que sea, pero que quieras generar material personal para ese proyecto, que te obligue a meter horas sin esperar a que tus primeros clientes aparezcan.

¿Puedes recomendar a nuestros lectores webs, blogs o cuentas de redes sociales que formen parte de tu lista de favoritos?
Podría estar horas aportando recursos sobre los temas que me interesan (arqueología, historia, mitología…), pero entiendo que la pregunta va relacionada con el ámbito del diseño, así que permitidme únicamente recomendar el Twitter de mi amigo Wences Sanz (@stereochromo), una fuente inagotable de recursos e inspiración sobre diseño. Además, hace unos pocos días que vuelca dicho contenido también en forma de blog, bajo la dirección designmatazz.com. De su sección de chicas en Pinterest mejor ni hablamos… También invito a todos a seguir mis propios tweets en @ritxiostariz ya que cada cosa que encuentro que me parece realmente interesante suelo compartirla directamente a través de dicha plataforma, sea de diseño, arte, música…

Nos gustaría que compartieras alguno de los proyectos en los que estás embarcado.
Hablando únicamente de proyectos personales y no de los de Saffron, actualmente estoy en diferentes fases del proceso de diseño de tres nuevos discos, entre los que se incluye la versión orquestral de la gran obra de Markus Reuter, “Todmorden 513”, proyecto muy especial para mí desde que la iniciáramos juntos en su primera edición hace ya cinco o seis años. Por otra parte, siempre tengo proyectos personales en la cabeza, como el libro que he mencionado antes sobre la Leyenda de los Siete Infantes de Lara, pero sin tiempo para poder desarrollarlos como se merecen.

Ritxi_Ostariz_1“190º The Magazine” sirve como plataforma para dar a conocer el trabajo de artistas, jóvenes emprendedores o artesanos noveles, ¿qué opinión te merecen revistas como la nuestra?
Proyectos como el vuestro son, a día de hoy, absolutamente indispensables para que la cultura no caiga muerta en España. Con el poco dinero que las administraciones pueden (o deciden) invertir en cultura, solamente la iniciativa personal y privada puede dar visibilidad a proyectos que merecen la pena. Aparte de ello, siempre es enriquecedor para los propios autores de la publicación, encontrar esa motivación de querer editar un nuevo número, y ponerse las pilas para ello. Tener las mentes ocupadas en crear sólo puede significar dar pasos hacia delante.

Entrevista al ilustrador Puño

puño ilustraciónA David Peña, conocido como Puño, no le gustan las definiciones, ni siquiera el término de ilustrador, por eso se califica como amigo y esteta.

Este referente español ha ilustrado con su característico estilo más de 10 álbumes propios, anuncios publicitarios o multitud de publicaciones. Entre ellas, ha trabajado en cómics, libros infantiles, revistas o diarios como Público o El Mundo.

Una parte importante de su carrera profesional la dedica a la formación en ilustración y en creatividad, de la que piensa que es un músculo que todos podemos desarrollar.

Una de tus múltiples facetas es la de ser formador, ¿cómo empezaste dando charlas de ilustración o cursos intensivos de cómic?
Comencé a dar clases y charlas como casi todo lo que hago: por necesidad económica. Recuerdo el primer verano que trabajé como profesor, también hacía de peón de albañil y me pasaba las tardes y las noches vendiendo helados en la puerta de una comisaría. El agravio comparativo hizo que me decantara por lo didáctico.

¿En ellas siempre diste consejos motivadores para ejercitar el músculo de la creatividad?
Los consejos vinieron más tarde. Tras unos años dando clase me di cuenta de que la gran mayoría de las personas tiene una grave falta de autoestima creativa. Es muy difícil enseñar nada cuando el alumno piensa que es incapaz de aprender, o que pesa sobre él una maldición, o que padece un defecto genético que le impide hacer cosas bonitas. Primero, hay que romper esa ilusión de impotencia y luego uno puede aprender cualquier cosa. Esto no significa que todos seamos capaces de operar a corazón abierto o de manejar un helicóptero, pero sí que podemos explorar cualquier disciplina artística.

codigo-ciencia-cazadores_webNos gustaría que nos hablaras sobre cómo recuerdas el primer taller o charla que impartiste.
El primer taller fue en Rivas Vaciamadrid en agosto de 1997, aquel verano de escombros y helados. Era un taller de cómics para personas entre ocho y catorce años, en una academia. Fue una experiencia muy buena y supe inmediatamente que me quería dedicar a enseñar. Ese mismo otoño impartí un taller anual que duró varios cursos, dos años después daba clases también en colegios y en centros empresariales.

¿Qué has aprendido durante todos estos años de tus alumnos y el público de tus conferencias?
El que más aprende en mis cursos soy yo. Es una responsabilidad enorme, uno tiene que estructurar y hacer comprensible un montón de información. En el caso de la creatividad y la ilustración no hay mucho escrito, y lo que hay está obsoleto en gran parte. Esto hace que seas consciente de cosas que sabes subconscientemente. Prácticamente se basa en textualizar tu propia experiencia. Un amigo me dijo que para crecer a partir de cierta edad o de ciertos años de experiencia, uno tiene que sostener su carrera en tres pilares: la práctica profesional, la teoría y la didáctica. O sea que hay que currar, que leer y que enseñar. No puedo estar más de acuerdo.

Estamos acostumbrados a que los ilustradores y diseñadores den charlas en las que de forma mayoritaria presentan las virtudes de sus obras y explican su modo de trabajo.  ¿Nos puedes recomendar algún otro profesional de la ilustración o diseño que ofrezcan ponencias inspiradoras, motivacionales?
Confieso que no asisto a muchas charlas. Pero por ejemplo, he disfrutado charlas de Isidro Ferrer y Pablo Amargo. Bien cierto es que abundan esas charlas en las que el ponente muestra sus trabajos, cuenta batallitas laborales y si tienes suerte, explica algo de su método de trabajo. Por eso no acostumbro a frecuentarlas como público. Me interesan las conferencias en las que el expositor desnuda completamente sus métodos o técnicas o en las que analiza la obra de otros desde un punto de vista único e interesante. Lo demás es masturbación ante la concurrencia.

Eres bastante crítico con el mercado del arte y las escuelas, incluso has comentado que han hecho mucho daño a la profesión de ilustrador al hacernos creer que un artista y un ilustrador son lo mismo.  ¿Cuál es la diferencia?
La diferencia para mí está clara: yo soy un trabajador, no un artista. Es como si comparas a Helmut Newton o a Richard Avedon con el señor que fotografía los mejillones para el catálogo del Eroski. Pues yo soy ese, el de los mejillones. Mi obra poco tiene de mostrar mi universo interior o de despertar reacciones y emociones en el que la contemple. Lo que yo hago tiene que ver con líneas editoriales, modas comerciales, valores de producto y demás.

¿Qué otros males o bondades le achacas a las escuelas de arte respecto a la ilustración?
Bueno, las escuelas han hecho mucho daño en general, no sólo por mezclar churras con merinas. En los últimos veinte años ha habido un cambio gigantesco en los oficios artísticos: se han convertido en oficios industriales. Y de esto las escuelas de arte no se han visual-vazquez_webdado cuenta. Hace poco me escribía una alumna de una escuela de arte con unas preguntas para un trabajo de su clase de Adobe Macromedia Flash o como se llame ahora. Me parece alucinante que en una escuela de arte de este país se imparta una asignatura sobre un software que hace años que se sabe que está obsoleto. Al final consiguen que los ilustradores sean como los actores, que por cada quinientos que dicen serlo sólo cinco viven de ello.

¿Cuáles son tus referentes? ¿Puedes contarnos qué ilustradores, corrientes o películas influencian tus trabajos?
Mis referentes son una cascada, se están renovando constantemente. A veces retornan. Pero en general me gustan los dibujos animados, los libros ilustrados, el cine de los 70, los ilustradores con blog, la literatura española de hace 100 años, lo colorido, lo sencillo o lo pop. A cualquier cosa le saco provecho. Eso de tener un gusto definido está muy bien cuando eres amateur, pero si te quieres ganar la vida de ello tienes que meter el hocico en todas partes, aunque sea para conocer lo que se hace o lo que se hizo.

¿Cómo defines tu estilo?
No tengo ni idea. No reflexiono sobre ello ni me gustan las definiciones, son fronteras invisibles. Tampoco estoy seguro de tener un estilo. Imagino que esta es una tarea que le tocará al que haga una enciclopedia o al que escriba mi esquela.

Estuviste viviendo durante un tiempo en la ciudad de la luz, ¿qué es lo que te aportó tu etapa en Francia?
En París pasé un año y no me hubiera gustado estar más. Es una ciudad muy dura si eres pobre y español. Pero aprendí y trabajé mucho, sobre todo para España. Siempre cuento que los clientes me veían diferente porque había pasado de ser el ilustrador de ciudad dormitorio del extrarradio madrileño a ser el ilustrador que vive en París, pero al pasar los años encuentro injusta esta afirmación: llegué a Francia siendo un bruto, un punk, un escéptico. Y allí aprendí a pasar por el aro, a relacionarme con gente de todo tipo y a dejar de vestir como si viniera de un futuro distópico post-apocalíptico, cosas muy útiles para crecer en esta vida y desarrollar una carrera profesional.

camiseta-calaveritos_web¿Podrías destacarnos uno de tus trabajo de ese periodo?
De ese año recuerdo especialmente el álbum ¡Ñam! Lo hice durante un invierno muy duro, con un taburete y un portátil diminuto, pasando mucho frío como si fuera un poeta con tuberculosis. Por él me dieron un premio muy importante que cambió mi trayectoria y me permitió aburguesarme, que es también esencial para cualquier carrera artística, pues no es lo mismo crear algo bonito cuando llevas diez horas reponiendo cartones de leche en el Carrefour.

¿Cuáles son las diferencias de trabajar de ilustrador aquí y en el país vecino?
La principal diferencia entre ser ilustrador en España y en Francia es que allí se valora, se impulsa, se divulga y sobre todo, se paga bien. Aquí la ilustración le interesa a cuatro gatos con un corazón y un entusiasmo imponentes que mantienen a flote el oficio con cuatro duros y mucho esfuerzo.

¿Cuál es tu relación con la tecnología a la hora de crear tus trabajos? ¿Cómo te has adaptado al medio online?
Nunca tuve que adaptarme porque nací en el medio online, soy indígena. Empecé a trabajar sin ordenadores ni Internet, pero hasta que no aparecieron en mi vida no me pude dedicar a ello. Son herramientas importantísimas, antes hacía falta dinero y conocimientos para crear un portafolio en carpetón y arrastrarlo por agencias, estudios y editoriales, con una camisa planchada, peinado y nervioso. De repente, Internet brindó una oportunidad gratuita de mostrar tus trabajos, de contactar con empresas y profesionales, de aprender de otros. Y todo esto sin quitarte el pijama.

Estamos muy interesados en conocer cómo se desarrolla el proceso creativo y de ejecución de tus trabajos.
Me gusta dedicar la mayor parte del tiempo a pensar en el proyecto, a rumiarlo hasta la extenuación. Durante esta etapa miro cosas que han hecho otros sobre el tema para saber dónde se va a situar lo que haga yo, para no repetir ideas, para encontrar el tono apropiado. Luego miro cosas de otros sobre otros temas y otras disciplinas para encontrarme en el humor adecuado para ponerme a trabajar. También paseo mucho, voy a bibliotecas y a parques a trabajar, para oxigenar el cerebro y recibir estímulos diferentes a los de la rutina de mi estudio, donde sólo me encierro para ejecutar. Cuando trabajo escucho jazz o música clásica o ambiental por la misma razón, para colocarme en un humor determinado que me permita trabajar con fluidez. Antes me intentaba imponer horarios y obligarme a trabajar cuando no me apetecía, pero era contraproducente. Soy más productivo ahora.

¿Puedes recomendar a nuestros lectores webs, blogs o cuentas de redes sociales que formen parte de tu lista de favoritos?
Sigo infinidad de tumblrs y blogs de ilustradores veinteañeros europeos o americanos. Hay gente buenísima ahora mismo. Seguía con pasión Drawn.ca, pero lo han cerrado. La mayor parte de mi tiempo online lo paso mirando otras cosas en absoluto relacionadas con la ilustración. Mis webs favoritas son Youtube e Imgur.com. Y Fort Scrotum, que es el retrato más despiadado de la humanidad que jamás ha hecho nadie.

¿En qué proyectos estás embarcado en la actualidad?
Como siempre, en un montón: estoy terminando mi primera novela infantil, coordinando un curso y varias asignaturas en el Istituo Europeo di Design, soy comc455a348ff24aad8d25980b5f2946192isario de un ciclo de exposiciones en el Palacio de Cibeles, tengo pendiente de publicar un libro infantil ilustrado, preparando una colección de libros educativos y el puñadito habitual de proyectos personales: un fanzine que se bebe, un tebeo largo y otras cosas.


“190º The Magazine” sirve como plataforma para dar a conocer el trabajo de artistas emergentes, emprendedores o artesanos noveles, ¿qué opinión te merecen revistas como la nuestra?

Absolutamente esencial en estos tiempos en los que las empresas privadas y las institucionales dan la espalda a los oficios artísticos y creativos.

Entrevista al artista Salustiano

salustiano artistaSalustiano es un reconocido artista plástico sevillano con una gran proyección internacional. Sus obras se separan con una fina línea de la fotografía y están inundadas del histórico estilo del Renacimiento con exquisitos tintes de arte oriental. En sus cuadros, que no necesitan tener una temática concreta, resaltan sobre los fondos monocromos figuras humanas logradas con una técnica fina y exacta que aporta al conjunto un halo de eternidad. La obra de Salustiano, como su alias profesional es rotunda, austera, no necesita de adornos superfluos para influir y suscitar fuertes emociones en el espectador.

¿En qué momento te diste cuenta por primera vez de que eras un artista?
No lo sé, lo que sí recuerdo es el día que decidí hacerme pintor; tenía  cinco  años -era Navidad- dibujé una escena de los reyes magos. Se lo enseñé a mi madre y ella me besó llena de admiración y cariño. Se lo mostró a mi padre, mis tíos, mis vecinos… La respuesta fue tan estupenda que pensé que ser pintor era una maravillosa manera de conseguir un plus de cariño.

salustiano_artista_entrevista_silvia_mielgo2¿Cómo comenzaste en el mundo del arte?
Supongo que aquel día de Navidad. Lo demás fue surgiendo paulatinamente, sin apretar…

¿Por qué siempre firmas sin apellidos?
Salustiano es rotundo, suena austero, sin adornos. Pienso que es suficiente.

¿Qué te ocurrió en el viaje a Italia que hiciste en 1992? ¿Es ahí donde comienza en tu arte la influencia de la pintura del Renacimiento?
En aquellos años el arte que se hacía era muy fast-art. De factura rápida y rápida digestión. No alimentaba mucho. Recuerdo que la mayoría de los artistas de aquella época decían que pintaban para divertirse. En aquel viaje me di cuenta de que lo realmente trascendente no es el resultado del divertimento o la ocurrencia. Honestamente pienso que sin trabajo no se consigue nada grande. Una idea brillante, si no se desarrolla y pule hasta que quede perfecta, no podrá convertirse en una obra de arte. Me estoy refiriendo, por ejemplo, a la catedral de Colonia, la sonata para cello y piano n°1, de Brahms o La Virgen del Canciller Rolin, de Jan Van Eyck.

¿Quién o qué te inspira para crear tus obras?
El verano pasado estuve en Japón. Alquilamos un coche y fuimos a la provincia de Nara. Nos adentramos en la naturaleza por una de las carreteras más hermosas que quepa imaginarse. A ambos lados la jungla de bambú era impenetrable, tan tupida que  apenas  se podía introducir la  mano entre las cañas. Llegamos a una pequeña bahía. La playa era de piedras, las olas eran pequeñas y ronroneaban a mis pies como un bebé de tigre. No había nadie. Casi a tiro de piedra había un pequeño archipiélago de abigarrada vegetación, perfilado nítidamente por un cielo de un tono de azul indescriptible. La belleza del paisaje era sobrecogedora. Me influye todo.  El arte que veo y la vida que vivo.

salustiano_artista_entrevista_silvia_mielgoTengo entendido que tus cuadros carecen de un tema concreto, ¿por qué? ¿Qué deseas transmitir?
Es cierto, nunca me he interesado por “el tema” y, por lo tanto, no hay  discurso narrativo detrás de mi obra. Mis cuadros son imágenes autónomas de cualquier tema o mensaje, no pretenden contar “algo”, sino provocar una serie de sensaciones en el espectador.

¿Cómo definirías tu pintura?
No lo sé. Cuando expongo fuera de España y la gente me pregunta por mi obra, les digo que mi inglés es muy malo, tanto que me siento incapacitado para hablar acerca de ella, que se acerquen con calma al cuadro, que lo escuchen atentamente, porque él tiene que tener la capacidad de explicarse por sí solo. Confío y rezo para que mis cuadros sean políglotas.

¿Por qué el uso casi exclusivo de los colores rojo, negro y blanco? ¿Y del fondo monocromo?
No sabría contártelo brevemente pero, seguramente, es porque lo absoluto me atrae.

¿Cuáles son los pasos de creación de tus obras?
Pienso en algo que quiero transmitir. Busco la manera de hacerlo. Le quito lo accesorio. Intento contarlo con los mínimos elementos posibles, prácticamente es como si lo podara de todas las ramas innecesarias, y finalmente, intento materializarlo aplicadamente, con suavidad, con respeto, con cariño.

¿Cómo escoges a los modelos? ¿Qué características tienen que poseer? ¿Es una coincidencia que muchos de ellos tengan que ver con el mundo de la música?
Los descubro en la calle y les propongo posar para mí. Son personas no necesariamente bellas, pero que presiento que pueden ayudarme a transmitir una determinada emoción. Para mí, un modelo es como un  actor. Un vehículo que uso para transmitir una determinada  emoción al espectador. Establezco con la gente que ve mis cuadros la misma relación que un director de cine tiene con el espectador. El modelo-actor es el canal de transmisión de la emoción.
Luego he descubierto que, en todos los casos, estas personas eran gente muy especial y curiosamente, muchos de ellos estaban relacionados con la música. Supongo que no es una coincidencia.

salustiano_artista_entrevista_silvia_mielgo3Has expuesto en multitud de ciudades como Nueva York, Miami, Berlín o Seúl, ¿cuál es la exposición que te ha producido más emoción o satisfacción?
La exposición que más satisfacciones me ha dado es, sin duda, la exposición itinerante The Missing Peace, en la que 88 artistas –entre ellos Anish Kapoor, Bill Viola y Marina Abramovich- han valorado la figura del Dalai Lama en apoyo al pueblo tibetano y que desde 2006 está dando la vuelta al mundo. Ha sido un gran honor y me ha permitido conocer esta cultura en profundidad. Mi obra Reencarnación fue elegida como imagen de la muestra. El propio Dalai Lama estaba encantado con mi propuesta, tan arriesgada: la reencarnación del próximo Dalai Lama en una niña china. Es un hombre muy simpático y estoy feliz de que tenga una obra mía. También me dio la oportunidad de conocer a personas muy interesantes como Robert Thurman o Sharon Stone.

¿Puedes destacar algún pintor consagrado o no, a los que admires o de los que bebas de su arte?
Por ejemplo, Hockney, Holbein, Cezanne y Matisse.

¿Puedes adelantarnos alguno de los proyectos en los que estás trabajando en la actualidad?
Este mes participaré en la feria de arte de Southampton, New York, con la galería Kavachnina. Al mismo tiempo una obra mía se va a subastar en Christie´s  New York. En septiembre, tengo una exhibición individual en Colonia en la galería 100 Kubik. Luego en Estambul con la galería berlinesa Brockstedt. En diciembre, participaré, como es habitual, en Art Miami, para acabar el año con exposiciones en la galería Kavachnina, también de Miami, e Imago Gallery, en Palm Desert, California.